Olena Vdovychenko seguía arreglándose para ir al teatro.
En una entrevista con Deutsche Welle en agosto de 2024, la asidua del teatro en Kyiv describió cómo elegía un vestido, se maquillaba y se ponía perfume. Estas preparaciones le daban una ocasión a la que aferrarse durante la guerra. Conseguir una entrada podía requerir otra clase de preparación: estar atenta al anuncio de la venta y estar lista para reservar.
Había una cosa que no podía arreglar. Una alerta de bombardeo podía interrumpir la función o llevar a su cancelación. Ya había experimentado esa decepción.1
El detalle sobre el perfume hace que la historia sea especialmente humana. Una noche en el teatro comienza antes de que alguien suba al escenario. Puede comenzar con la elección de cómo presentarse en público, con la anticipación, o con la decisión de que una velada merece un poco de ceremonia.
El relato de Vdovychenko ayuda a entender la atención que ha despertado el teatro durante la guerra a gran escala de Rusia contra Ucrania. Para parte del público, ofrece una experiencia compartida a la que procura hacer sitio, incluso en condiciones inciertas.
La renovada demanda es real en partes documentadas del mundo teatral. Su significado se vuelve más claro cuando miramos más allá del titular sobre las butacas agotadas.
Lo que una sala llena puede decirnos
En agosto de 2024, NPR informó que La bruja de Konotop había llenado la sala de casi 800 butacas del Teatro Nacional Ivan Franko en cada función de ese verano, según el enlace de prensa del teatro. Las entradas eran difíciles de obtener, y los fragmentos de la producción se habían difundido ampliamente en las redes sociales.2
Esos detalles ofrecen evidencia sólida de la notable popularidad de una producción. También sugieren cómo una representación en vivo llega a personas que aún no son asiduas del teatro. Un clip corto puede despertar la curiosidad de una persona; el siguiente paso es encontrar un asiento.
Un artículo académico sobre el renacimiento teatral de Ucrania en la temporada 2023–24 también describe el renovado interés del público, especialmente en Kyiv, mientras considera las presiones de la guerra sobre los artistas y las instituciones.3
Serían necesarios datos más amplios y comparables para convertir esas observaciones en una tasa de crecimiento nacional precisa. Los relatos disponibles son más útiles cuando se mantienen cerca de sus ubicaciones y fechas.
Una sala llena en el Franko nos dice algo significativo sobre Kyiv. No nos dice que cada compañía pueda llenar sus butacas, ni que los teatros del país enfrenten las mismas condiciones.
La historia interesante está en esa desigualdad: un entusiasmo extraordinario que coexiste con la interrupción, el desplazamiento y la pérdida.
Una bruja con un largo trasfondo
La versión de La bruja de Konotop del Teatro Franko, dirigida por Ivan Uryvskyi, se estrenó el 28 de abril de 2023. Adapta un relato del siglo XIX de Hryhorii Kvitka-Osnovianenko y lleva una obra consolidada de la literatura ucraniana a un lenguaje escénico contemporáneo.
La propia descripción del teatro explica que Uryvskyi quería un tono diferente después de poner en escena Calígula de Albert Camus. Estaba interesado en una comedia que pudiera traer luz mientras aún provocaba la reflexión.
Los créditos revelan cuántas disciplinas sostienen la producción: la escenografía y el vestuario de Tetyana Ovsiichuk, la composición y los arreglos vocales de Susanna Karpenko, y la coreografía de Olha Semioshkina figuran entre sus elementos esenciales.4
Nombrar a esos colaboradores ayuda a mover la conversación más allá de la idea de que un éxito surge solo del sentimiento nacional. Alguien tiene que tomar decisiones sobre lo que la audiencia ve y oye. Una historia familiar aún necesita una forma teatral.
El relato de NPR describe a un comandante que intenta reclutar la ayuda de una bruja para hacer que una mujer lo ame. El espectador Markian Halabala entendió la obra en parte a través de su advertencia contra interferir con el destino de otra persona. Otra asidua del teatro, Olha Vasylevshka, enfatizó el amor y la futilidad de intentar fabricarlo.2
Esas respuestas diferentes son parte del placer. Las personas pueden sentarse en la misma sala y salir llevando partes distintas de una historia.
La obra ofrece un punto de referencia compartido sin requerir una lectura idéntica. Una persona puede seguir la comedia; otra puede sentirse atraída por el mal uso del poder. La conversación posterior se convierte en otra parte de la velada.
La audiencia ya ha conocido la experimentación
La voluntad de reinterpretar obras antiguas forma parte de una larga historia del teatro ucraniano.
Les Kurbas, nacido en una familia de actores en 1887, se convirtió en uno de sus experimentadores más influyentes. Después de estudiar en Viena y Lviv, trabajó como actor y director y estableció la asociación artística Berezil en Kyiv en 1922.
Berezil desarrolló un ambicioso sistema de formación y experimentación, incluyendo estudios de actuación y un laboratorio de directores. Kurbas llevó el movimiento, el habla, la música, la luz y el diseño visual a relaciones cuidadosamente estructuradas.5
Para un lector contemporáneo, esta es una corrección útil a la suposición de que la historia cultural ucraniana puede abordarse solo a través del traje folclórico, las canciones de aldea y las escenas rurales. Esas tradiciones son importantes, pero pertenecen junto a experimentos urbanos exigentes sobre cómo el arte podría funcionar.
Kurbas quería que las audiencias hicieran más que seguir una trama. Sus producciones les pedían que notaran cómo una representación creaba significado.
El archivo Open Kurbas describe una decisión llamativa en su Macbeth de 1924: los actores salían a escena como ellos mismos y se convertían en sus personajes ante el público. También documenta sus colaboraciones con el escenógrafo Vadym Meller, cuyas estructuras ofrecían varios niveles y ángulos para la acción.
En 1929, Berezil presentó ¡Hola, esto es Radio 477!, una revista musical de jazz que imaginaba a Kharkiv en diálogo con la vida europea contemporánea.6
Estos ejemplos hacen que el período se sienta menos lejano. Una audiencia podía encontrarse con Shakespeare, estructuras escénicas abstractas, nuevos medios y música popular dentro del mismo amplio mundo teatral.
El impulso de combinar formas no llegó a Ucrania con la última tendencia internacional. Los artistas locales ya estaban probando lo que un escenario podía contener hace un siglo.
Una historia con audiencias difíciles y represión estatal
La experimentación no siempre ganaba aplausos.
Después de que Berezil se trasladara a Kharkiv en 1926, su producción inaugural de Tripas de oro, de Fernand Crommelynck, encontró resistencia entre el público y las autoridades políticas. La historia recogida por Open Kurbas describe un teatro que intentaba conciliar sus ambiciones artísticas, la demanda de entretenimiento popular y una presión oficial cada vez mayor.
Esa presión se volvió destructiva. Kurbas fue destituido del liderazgo del teatro en 1933, y Berezil fue renombrado en 1935.7
Kurbas fue ejecutado en 1937 durante el terror de Stalin.5
Su obra merece ser recordada por las ideas, así como por la violencia que acortó su vida. Conocer solo que un artista fue perseguido es pasar por alto el arte que hizo que ese artista importara.
Los modelos, fotografías y registros de producción que sobreviven ayudan a recuperar decisiones que de otro modo permanecerían abstractas: la disposición de un escenario, la relación entre los intérpretes, la decisión de un director sobre cuándo debe comenzar la ilusión.
También preservan una historia de dificultades. Algunas producciones no encontraron a su audiencia. Algunas audiencias resistieron obras poco familiares. Una cultura teatral viva incluye el desacuerdo y el riesgo, no solo la admiración unánime.
Ese es un contexto útil para el renacimiento de hoy. Su significado incluye la libertad de intentar algo extraño, de ser gracioso, de inquietar a un espectador, o de crear una obra cuyo valor no se resuelve de inmediato.
Cuatro mujeres en una frontera
Los dramaturgos ucranianos contemporáneos también están creando nuevas obras a partir de experiencias que los guiones más antiguos no pueden contener de la misma manera.
Corredores verdes de Natalka Vorozhbyt, escrita en 2023, sigue a cuatro mujeres que se encuentran en la frontera entre Ucrania y el resto de Europa. La biblioteca de drama del Instituto Ucraniano describe una tragicomedia sobre sus vidas y relaciones posteriores, utilizando el absurdo y el humor negro que a veces se acerca al surrealismo.
La traducción al inglés es de John Freedman y Natalia Bratus.8
Esa combinación de desplazamiento y comedia merece una pausa. Las personas que dejan una guerra no pierden sus diferencias, contradicciones o capacidad de irritarse mutuamente. Una obra de teatro puede permitir que esas cualidades permanezcan visibles.
Las mujeres son personajes en relaciones, en lugar de ejemplos colocados en un informe. La forma permite a un escritor explorar lo que las personas malentienden entre sí y lo que sucede cuando un encuentro aparentemente generoso se complica.
En enero de 2026, Corredores verdes recibió su estreno en Estados Unidos en el Trap Door Theatre de Chicago, dirigida por Kay Martinovich.9
Una producción en el extranjero crea otro tipo de encuentro. Los actores, traductores y audiencias tienen que trabajar con una historia cuyas circunstancias pueden serles desconocidas.
Los créditos de traducción también forman parte de esta historia. Una obra viaja a través de decisiones sobre el ritmo, las expresiones, el humor y la voz. De esas decisiones depende, en parte, que un personaje llegue a otro público como una persona compleja.
Una antigua epopeya y cuerpos distintos
En un ensayo del Teatro de Veteranos en Kyiv en noviembre de 2025, la escritora Brandice Thompson observó a intérpretes trabajando en Eneida. Su relato, publicado en American Theatre en junio de 2026, describe a veteranos ensayando con un coro de mujeres jóvenes.
El estudio permitía a los intérpretes trabajar sin prótesis cuando lo necesitaban. Después del ensayo, un veterano que fabricaba instrumentos sacó una zanfona que había adaptado para tocarla con su brazo protésico. Otros se sumaron a cantar.10
La elección de Eneida trae otra capa de historia cultural a la sala.
El poema de Ivan Kotliarevsky reelaboró la Eneida de Virgilio en un universo cómico ucraniano. Sus tres primeras partes aparecieron en 1798. Escrito en la lengua cotidiana, se convirtió en un hito de la literatura ucraniana moderna y retrató la vida social mediante la sátira y un lenguaje rico en expresiones populares.11
Por lo tanto, un texto heredado se encuentra con intérpretes con necesidades físicas particulares y experiencias contemporáneas. El ensayo hace que la adaptación sea literal: los cuerpos, la coreografía y los instrumentos tienen que trabajar juntos.
El resultado merece atención como trabajo artístico. Un intérprete aprende a medir los tiempos, encuentra su manera de moverse o descubre cómo encaja su voz en un conjunto.
Reconocer esas habilidades permite que un veterano aparezca como un artista con decisiones que tomar. La guerra es parte de la vida de la persona, pero no tiene que convertirse en la única cosa que una audiencia es capaz de ver.
Una historia diferente cerca del frente
La frase "boom teatral" se vuelve menos adecuada a medida que nos alejamos de los éxitos más visibles.
En julio de 2025, la prensa ucraniana documentó otro ataque ruso al teatro Mykola Kulish en Jersón. Su fachada fue dañada; no se reportaron lesiones en ese incidente. La institución ha llevado a cabo el festival de teatro Melpomene of Tavria desde 1999 y continuó trabajando en otras ciudades ucranianas después de la invasión a gran escala.12
Un teatro también es una compañía, un repertorio y una red de relaciones. Esas pueden continuar en formas alteradas incluso cuando usar el edificio familiar se vuelve difícil.
La continuidad aún viene con pérdidas. Una representación trasladada a otro lugar llega a una audiencia diferente. Un residente que una vez conocía la ruta al teatro puede ya no tener acceso a la misma vida cultural.
Incluso dentro de Kyiv, la asistencia puede cambiar drásticamente. Inna Goncharova, directora artística de Maskam Rad, le dijo a Thompson que las audiencias eran escasas después de noches de bombardeos intensos y más llenas después de noches más tranquilas.10
Esa observación devuelve a la audiencia a las condiciones de la vida diaria. Un asiento vacío puede reflejar agotamiento, miedo o una noche interrumpida.
Un relato completo del teatro ucraniano incluye ambas imágenes: las personas que se esfuerzan por conseguir una entrada y las que esa noche no pueden llegar a la sala.
El placer de ser una audiencia
Entonces, ¿qué hace que el teatro valga la pena incluir en una serie sobre la vida cultural ucraniana durante la guerra?
La respuesta emerge del rango de trabajo. Una historia cómica del siglo XIX se convierte en un éxito contemporáneo. El archivo de un director experimental abre una ventana a la década de 1920. Una nueva obra da voces conflictivas a mujeres desplazadas. Veteranos traen una obra literaria antigua a un ensayo moldeado por sus propios cuerpos.
Estas historias muestran a personas que utilizan una herencia cultural y la enriquecen. Aquí hay preservación, pero también desacuerdo, invención y el deseo de lograr una buena noche en el teatro.
Para el público, la experiencia puede tener varios significados a la vez. Alguien puede sentir solidaridad con los intérpretes y disfrutar de una broma. Otro puede buscar un respiro de la presión diaria y encontrarse con un pensamiento incómodo.
El público no necesita ser reducido a un símbolo de valentía. Puede seguir siendo una reunión de personas con distintos gustos, expectativas y razones para asistir.
Volvemos así a Vdovychenko eligiendo su vestido y su perfume. Esos preparativos reservan un lugar para la velada: esta experiencia merece atención.
Cuando la representación puede llevarse a cabo, actores y público pasan ese tiempo juntos. Una línea cae en su sitio. Una respuesta recorre la sala. Durante un rato, algo creado por otras personas se convierte en lo que todos están viendo.
Durante la guerra, esa oportunidad es frágil. Su valor también es maravillosamente cotidiano: las personas siguen queriendo historias, compañía, sorpresas y un motivo para salir de casa y volver contentas de haber ido.
Fuentes y lecturas adicionales
Un ensayo cultural basado en las fuentes enlazadas. No se presentan entrevistas originales ni reportajes de primera mano.
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